Siete décadas después de que se expusieran en la trémula Madrid del 36, la Fundación MAPFRE exhibirá en la capital española los originales de la novela collage del surrealista Max Ernst, Une semaine de bonté –guardados celosamente por el coleccionista Daniel Filipacchi durante años–, que llega después de haber visitado el Albertina vienés, el Max Ernst Museum de Brühl y la Kunsthalle de Hamburgo. Esta obra, elaborada como respuesta al nacionalsocialismo en ciernes propiciado con el ascenso de Hitler al poder, se expone como uno de los testimonios capitales del surrealismo y una reacción ante el ambiente enrarecido de la época.

El collage: compromiso y crítica
“Une semaine de bonté nace en un periodo en el que todo empieza a oler mal. Ernst me dijo que un artista debía comprometerse”, Spies, uno de los mayores expertos en la obra del artista alemán, recuerda el motivo que propulsó la creación de esta novela de collage hoy expuesta en Madrid, ciudad a la que vuelve después de que las 184 piezas pertenecientes a esta obra se presentaran en 1936, en un contexto de preguerra donde algunos de los collages fueron censurados. La idea de Ernst era que “cada espectador le ponga su propia voz y encuentre la angustia que contienen las obras”: obras sin texto ni leyenda que obligan a crear una narrativa subjetiva e individual. Los collages muestran la descontextualización de imágenes insertadas en ambientes que no les son propios, creando escenas irreales e inquietantes a modo de crítica social y cultural. La apurada técnica de composición utilizada para la elaboración de tales piezas camufla la intervención de la mano humana en esas escenas surrealistas: “Comparable al crimen perfecto, el collage intenta dificultar el hallazgo de indicios y pretende que se descarte la actuación de tijeras y cuchillas. Para alcanzar este objetivo se borran todas las huellas que permitan inferir la conclusión de que se trata realmente de un collage”, explica Spies.

Siete series
La exposición se organiza análogamente a las divisiones de la novela collage de Max Ernst, adecuándose fielmente a la idea del artista. Siete series correspondientes a los días de la semana, con un color asignado para cada una, un elemento que las representa y un ejemplo particular. Así, el primer día representado es el domingo, con el púrpura, el barro y el león de Belfort como ejemplo: una sátira contra la burguesía de principios de siglo y una muestra del anticlericalismo que Ernst esgrime a lo largo de la serie. Así, el violeta simboliza la oposición a la doctrina dictaminada por la Iglesia; el verde lo utiliza refiriéndose al agua y la destrucción metafórica ocasionada por los diluvios; el rojo se une al fuego mostrando “catástrofes terribles”; el azul es “signo de la sangre” según el propio Ernst; el amarillo simboliza la ambición eterna, según Snipes, “lo que no se percibe con la vista, sino con los ojos de la imaginación”. Más

+ info: Fundación MAPFRE

La muestra organizada por el MACBA (Barcelona, España) sobre el alemán Thomas Bayrle, pretende acercar al espectador a la práctica de un artísta inimitable que intentó plasmar la realidad de un periodo convulso, después de la Segunda Guerra Mundial, y dar forma plástica a las expectativas y esperanzas de una sociedad desorientada. La alusión a nuevos referentes, la apertura a otras culturas, los problemas globales de la época –como la guerra de Vietnam, la ocupación americana de Alemania o la situación de Próximo Oriente- se adhieren a la preocupación artística y humana de Bayrle, ayudando a conformar una revisión ideológica de los fundamentos estéticos y tradicionales del arte y la sociedad, buscando vías por las que discurrir. Se busca la adecuación a la realidad del momento, siempre desde una perspectiva positiva, anhelando un horizonte en el que se solventen los conflictos y las dicotomías.
Sondeando el horizonte


Desde la preocupación por la realidad social y la cultura de masas, Thomas Bayrle ha denunciado los pecados de un contexto y de una situación, ha estudiado las fluctuaciones de cada momento, se ha preocupado por los conflictos de su época y ha intentado aprehender el carácter del nuevo modelo cultural y social que se abría en la década de los cincuenta, así como la progresiva tecnificación de un mundo en plena ebullición capitalista. Sus obras refieren a las contrariedades del propio ser humano y a los obstáculos con los que se topa, las barreras que le limitan, las dificultades de un entramado global a menudo incomprensible. Un ejemplo de ello es su obra SARS Formation, que alude al síndrome de respiración aguda severa diagnosticada por vez primera en Asia en el 2003. La crítica social, la audaz descripción de las circunstancias, la investigación de las posibilidades de cambio y la conquista de nuevos límites, sirven para elaborar una obra que le ha valido el nombre de "El Warhol alemán".
Obra multidisciplinar

Thomas Bayrle. Me temo que ya no estamos en Kansas es la primera retrospectiva del artista alemán en España, para ello el MACBA ha reunido 300 obras entre las que se pueden encontrar maquetas pintadas al óleo, collages fotográficos, películas o escenas articuladas, mostrando la práctica artística de un icono del arte contemporáneo que va más allá del pop-art en el que habitualmente se le encasilla. Su vinculación con los acontecimientos de un mundo en constante cambio, se evidencian en su carácter multidisciplinario, pues, además de la multitud de medios en los que ha dado rienda suelta a su creatividad artística, también ha sido diseñador de la empresa Ferrero,y ha estado vinculado a la cibernética, a la nanotecnología y a la revolución digital. La exposición presentada ofrece, además del inherente interés artístico de sus obras, la visión aguda de un hombre perspicaz que ha dedicado una vida a intentar comprender el mundo en le que vivimos y ofrecer alternativas ante los defectos de éste.

+ info: MACBA

Convocatòria d'adjudicació d'una beca per a la producció d'un projecte de vídeo.
fins el 27 de març del 2009.


La Fundació ArtAids de Barcelona amb la col·laboració de Can Xalant, Centre de Creació d’Arts Visuals i Pensament Contemporani de Mataró, convoquen un concurs per adjudicar una beca de producció d’un projecte de vídeo. Ambdues entitats pretenen amb això contribuir al foment i el desenvolupament de joves creadors en el camp de les arts visuals, facilitant-los els mitjans necessaris per la materialització del seu projecte. La participació en aquest concurs està oberta a tots els/les artistes visuals residents a Catalunya. El termini de presentació de la documentació per a la selecció finalitza el divendres 27 de març de 2009 a les 20 h. És imprescindible notificar la tramesa a: peral@artaids.com.

Sobre condicions i més característiques de la beca, consulteu les BASES

An exhibition of new work by John Squire opens on 10th October at Westminster’s SW1 Gallery. Lois Wilson hooked up with the artist/guitarist in his Macclesfield studio for a sneak preview of Noise, and a little light rumination on the crossover between art and music.

Dissabte 7 de març de 16.00 a 21.00 h

Sala Bolit
La RamblaRambla de la LLibertat, 1. Girona

Està oberta la convocatòria per rebre ofertes i demandes deconeixements.Consultories, teoria per emportar, manuals, demostracions en directe,amb l'objectiu de compartir informació, experiències i eines útilsorientades a assolir més autonomia en la vida quotidiana i aprofitarrecursos en comú.Ofereix, recomana algú o sol.licita coneixements a: info@banccomu.orgBusquem col·laboracions de ciutadans, experts, interessats,professionals, aficionats, organitzacions i xarxes.Des de Banc Comú de Coneixements connectem qui té respostes amb quinecessita solucions.

Banc Comú de Coneixements
http://www.banccomu.org
http://www.platoniq.net

DINS EL CICLE DAN DAN DANSA 2009
Info sessions escolars: consulteu final fitxaTac-Tac neix de la força creativa i la sensible intuïció d’Enrique Cabrera, ànima i director d’Aracaladanza, amb el repte d’oferir aquest espectacle de dansa a un públic selecte: els bebés. Després de bussejar en les seves realitats, el desenvolupament sensorial, en l’estimulació, en l’impacte del color i els materials, en el ritme, la música i el moviment, la companyia ha conjugat amb gran coherència creació i percepció en un espectacle tendre i alegre.Dansa i moviment, música, llums, espai, escenografia, vestuari, ritme, objectes, són elements en els que s’ha intervingut pedagògicament per dotar a la creació d’una ajustada adequació al públic. Un esforç obligat per tal d’aproximar la percepció a la mirada infantil.La companyia Aracaladanza i el seu director Enrique Cabrera han desenvolupat al llarg dels anys un imaginatiu món on la dansa es converteix en el vehicle per apropar la màgia i la fantasia a diversos tipus de públics. Els seus treballs l’han convertit en un referent tant a nivell nacional com internacional. Al Regne Unit, per exemple, la companyia manté una estreta col·laboració amb diferents centres de creació. A l’estat espanyol els seus treballs han comptat amb l’aprovació unànime per part de la crítica, la fascinació del públic i els múltiples guardons aconseguits al llarg dels seus 12 anys d’existència amb espectacles com ¡Nada...Nada!, Maletas o Pequeños paraísos amb el que ha aconseguit tres premis Max 2008 (Millor espectacle infantil, Millor vestuari i Millor Escenografia). Coreografia AracaladanzaIntèrprets Carolina Arija Gallardo, Jimena Trueba, Noelia Pérez Gil, Raquel de la Plaza, Olga Lladó VallsMúsica original Mariano Lozano P. RamosEscenografia i vestuari Elisa SanzDisseny d'il·luminació Pedro YagüeAssessora pedagògica Blanca R. SanzAssistent de direcció Carolina Arija GallardoRealització de vestuari Petra PorterRealització d’escenografia ProescenProducció Nines MayoActivitats Culturals per a nenes i nens Alberto MuyoProducció general i premsa Javier Torres OchandianoIdea i direcció Enrique Cabrera Venda d'entrades a través del 902 10 12 12, i a les Taquilles del Mercat de les Flors (1 hora abans de l'inici de l'espectacle) i del Palau de la Virreina (de dilluns a diumenge, de 10h a 20h)Sessions per a escoles: 27 de febrer i 2 de març a les 10:30h i 11:30h. Nivell recomanat: Escola bressol i educació infantil. Preu 5€ (mestres i tutors gratuït) Sessions per a públic: 28 de febrer i 1 de març a les 11h i a les 12hEdat recomanada: 0-3 anys. Preu 8€ (espectacle gratuït fins els 3 anys)Espectacle per a infants de 0 a 3 anys acompanyats d'un adult

http://www.aracaladanza.com/

Annual Online Art Competition

A Singular Creation (ASC) is proud to present our 3rd Annual Online Art Competition. The competition is open to all artists worldwide, working in any media, excluding video. We will award large cash prizes and publication awards - as well as promote all artists heavily on our site. All artists' portfolios will remain on our site permanently. The competition will be juried by ASC founder, along with a small panel of ASC judges.
Eligibility

This competition is open to all.
All media will be accepted, excluding video.
Open to all subject matter and all themes.

Entry Fee

The fee for entry is $25 for up to 15 images.
Entry Deadline and Other Important Dates
The deadline for submission is February 28, 2009.
Winners will be notified by March 15, 2009.
Exhibition will begin on March 16, 2009.

+ info: http://www.asingularcreation.com/art-competition.htm

La Obra Social Cajasol, con el objetivo de fomentar el desarrollo de la actividad artística en Andalucía, presenta 125.000 euros destinados a subvencionar proyectos fotográficos presentados por artistas de cualquier edad y nacionalidad hasta el 31 de marzo de 2009. Se trata de una iniciativa que se suma a la proliferación de convocatorias a nivel nacional, dando continuidad y apoyo a la actividad de creadores emergentes pero, esta vez, con visos a internacionalizar la propuesta.

Del viernes, 20 de febrero de 2009 al domingo, 22 de febrero de 2009 Miércoles, Jueves, Viernes, Sábado, Domingo. A las 20:30 Horas Teatre Lliure Plaça Margarida Xirgu, 1. Barcelona 08004. 15€- 24€.

Todos los díasDel viernes, 20 de febrero de 2009 al viernes, 27 de febrero de 2009A las 18:00 Horas Espai Jove Boca Nord C/Agudells 37-45, 08032- Barcelona. Entrada lliure.

Arriba la 6ª Edició del Barcelona Visual Sound, el festival audiovisual de creació jove que fins el 27 de febrer es celébra a diferents espais de Barcelona com l´Espai Jove Boca Nord, el Casal d’Associacions Juvenils de Barcelona o el Centre Cultural La Farinera entre d´altres.Consulta aquí la seva programació. Nota de premsa:El Barcelona VisualSound, festival audiovisual de creació jove tindrà lloc del 17 al 27 de febrer de 2009.Arriba la 6a edició del Festival Barcelona VisualSound, un espai d’exhibició i una plataforma de promoció per a la gent jove artista i creadora de l’àmbit audiovisual.El Festival Barcelona VisualSound aposta per les persones joves, per la seva presència a diferents indrets de la ciutat, per la diversitat de formats i disciplines audiovisuals i per donar cabuda a públics i persones creatives amb sensibilitats diferents. L’originalitat, la creativitat i l’enginy que aporten els realitzadors i les realitzadores fan d’aquest festival una aposta única i diferenciada a la ciutat de Barcelona.Deu categories en la Secció Competició del Festival Barcelona VisualSound’09: Animació, banda sonora original (BSO), disseny de web, documental de contingut social, documental de muntanya-aventura-natura, ficció, filmets de mòbil o càmera de fotos, videoclip, videocreació i vídeo publicitari.Deu dies intensos per als amants de l’audiovisual, amb propostes de tallers, xerrades, projeccions, exposicions... i sobretot, amb la projecció de les obres seleccionades en la secció competició. Totes les activitats són gratuïtes i l’aforament limitatDel 17 al 27 de febrer! No t’ho perdis!

www.bcnvisualsound.org

Tokio (Japón), 1962
Iniciar la velocidad de la sinapsis cerebral a voluntad
(Initiate the speed of cerebral synapse at free will )

Colección de: Allison y Warren Kanders. Copyright: ©2008 Takashi Murakami/Kaikai Kiki

Takashi Murakami se formó en el estilo pictórico tradicional japonés y creció en una sociedad con una jerarquía social mitigada. Él mismo acuñó el estilo artístico Superflat en sus escritos, término que ha servido también para calificar su obra. Además de un estilo caracterizado por ser bidimensional, este concepto se refiere a la dilución de los límites entre la alta y baja cultura, y proporciona una perspectiva crítica de la propia estructura del arte.

Nacido en Tokio en 1962, Takashi Murakami es uno de los artistas más influyentes procedentes de Japón en las últimas décadas. Doctorado por la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio en 1983 y con formación en nihonga (un estilo pictórico centrado en las técnicas y temas tradicionales japoneses), Murakami surge de la generación Neo-pop japonesa tras el pinchazo de la burbuja económica en aquel país a finales de los años ochenta.

+ info: http://www.guggenheim-bilbao.es/secciones/programacion_artistica/nombre_exposicion_claves.php?idioma=es&id_exposicion=123

CIA. DE DANSA SOL PICÓ

Director de escena
Joan Font
Escenografía
Joan Guillén
Iluminación
Albert Faura
Director musical
Jesús López Cobos
Producción
Teatro Real
Coro y Orquesta titular del Teatro Real y Coro y Orquesta Sinfónica de Madrid
Reparto completo
Faust-bal - Ana Ibarra (Feb. 13, 16, 18, 21, 23) y María Rodríguez (Feb. 15, 17, 20, 22)Amazona - Cecilia Díaz Margarito - Gerhard Siegel (Feb. 13, 16, 18, 21, 23) y Eduardo Santamaría (Feb. 15, 17, 20, 22)Mefistófeles- Tomas Tomasson (Feb. 13, 16, 18, 21, 23) y Lauri Vasar (Feb. 15, 17, 20, 22)Dios - Stefano PalatchiUn juez - Fernando Latorre

La ópera
Faust-bal es la mujer que reencarna en el tercer milenio al doctor Faustroll de Alfred Jarry, un Doctor Fausto que pide a Dios las palabras y oraciones para fusionar amor y caridad. Nada puede calmar el huracán de su curiosidad científica, ni saciar la tempestad de sus deseos. Superdotada, bellísima y enriquecida por transfiguraciones y trascendencias, ama tórridamente a su Amazona. Salta entre galaxias de la guerra del fin de las civilizaciones y se mueve en el espacio a velocidad supersónica. Frente a ella Margarito, jefe supremo de las fuerzas armadas, se ciñe los correajes de la represión brutal y la electrónica. Está locamente enamorado de Faust-bal bajo las faldas del cielo. Trata de poseerla con el torrente de su torre, sirviéndose del mismo Mefistófeles.
El barcelonés Leonardo Balada es uno de los compositores españoles que cuentan con una más consolidada trayectoria dedicada a la escena, con títulos como María Sabina, Cristóbal Colón o la reciente El pueblo de la avaricia. Su última ópera ha sido escrita especialmente para el Teatro Real, que prosigue así su política de encargos y ha contado con un libreto del corrosivo e inclasificable Fernando Arrabal. Jesús López Cobos, director musical del Teatro Real, estará al frente de este estreno mundial, que contará con dos destacadas sopranos españolas, Ana Ibarra y María Rodríguez, en el papel protagonista. La mezzosoprano Cecilia Díaz será la Amazona, los tenores Gerhard Siegel y Eduardo Santamaría los dos Margaritos, los barítonos Tomas Tomasson y Lauri Vasar interpretarán el papel de Mefistófeles y el bajo Stefano Palatchi encarnará a Dios, en esta nueva producción encomendada a la imaginación del grupo Comediants.

+ info: http://www.teatro-real.com/

Del 6 de febrero al 20 de abril de 2009

Considerado un artista de culto, el artista neoyorquino Paul Thek fue uno de los ejes que causaron la irrupción del arte de vanguardia en la década de los sesenta. Sus objetos efímeros, materiales inestables e instalaciones de duración limitada vinculan constantemente el mundo orgánico y el técnico-artificial.
El Museo Reina Sofía presenta la retrospectiva más completa que se ha hecho de su obra hasta la fecha. Se exhiben más de 300 obras, entre las que podrán verse dibujos, pinturas, fotografías de sus instalaciones y la afamada serie Technological Reliquaries (Relicarios tecnológicos), consistente en urnas de plexiglás con vaciados de trozos de carne realizados en cera.


Más información (PDF: 63 Kb)
Museo Reina Sofía

Del 5 de febrero al 5 de abril de 2009 en el Museo del Traje

Del 4 de febrero al 25 de junio de 2009 en el Auditorio Ciudad de León

El Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid presentan una propuesta interesante, del 10 de febrero al 17 de mayo de 2009: la primera gran exposición dedicada a la representación de la sombra en el arte occidental.

La muestra reúne alrededor de 140 obras de más de un centenar de artistas -entre pintura, fotografía y proyecciones cinematográficas-, con el objeto de poner en relieve y profundizar en el amplio espectro de implicaciones, problemas y soluciones suscitado por la representación de la sombra en el arte, desde el Renacimiento hasta nuestros días.
Una antigua fábula de Plinio el Viejo(siglo I d.C.) sitúa el origen de la pintura en Corinto, donde una joven muchacha, hija del alfarero Butades de Sición, habría trazado el contorno de su amante, sobre una pared, ayudada por la luz de una vela. “La sombra” como tema artístico ha estado indivisiblemente unida a la historia del arte occidental; su intencionalidad ha sido fundamentalmente naturalista, al subrayar la verosimilitud de lo representado, pero cada época la ha dotado de connotaciones diferentes. La presente exposición, la primera gran monográfica sobre el tema, se propone llamar la atención del público sobre la existencia de caminos transversales y mostrar los hilos, a veces ocultos, que unen diferentes épocas y artistas pese a la distancia cronológica que les separa.
El discurso expositivo se realiza a través de las dos sedes de la muestra, en el Museo Thyssen-Bornemisza y en la Fundación Caja Madrid.

En el Thyssen
En las salas del Museo se presentan las obras que van desde el siglo XV hasta fines del siglo XIX, en un recorrido por algunos de los principales artistas que han representado y utilizado la sombra proyectada en sus composiciones. Tras un primer espacio de introducción dedicado a mostrar el mito de la sombra en el origen de la pintura, la muestra arranca con algunos ejemplos destacados de su estudio y utilización en la creación de perspectivas por parte de los artistas del Renacimiento, así como de las connotaciones simbólicas que tuvo en la época. El itinerario continúa con la obra de los pintores tenebristas del Barroco y su espectacular uso de luces y sombras; sigue con su incorporación como elemento narrativo fundamental en la época romántica y postromántica, hasta llegar a la representación de la sombra y la luz en el Impresionismo y el Simbolismo. Están presentes, entre otros, artistas como Jan Van Eyck, Lorenzo Lotto, Rembrandt, George de La Tour, Francisco de Goya, Camille Pissarro, Claude Monet, Édouard Vuillard, Félix Valloton o Santiago Rusiñol.

En Caja Madrid
El siglo XX centra el contenido de las salas de exposición en la Fundación Caja Madrid, con especial atención a su utilización por parte de diversos artistas que, vinculados al denominado “retorno al orden” de los años 1920, recuperan en su obra el protagonismo de la sombra – Giorgio de Chirico, Edward Hopper o Pablo Picasso, entre otros-, y a la importancia de la sombra en los juegos de proyección de los pintores surrealistas, sobre todo René Magritte y Salvador Dalí. Los demás capítulos de esta segunda parte ofrecen un panorama del tema a lo largo de la segunda mitad del siglo XX, con obras de Susan Rothenberg, Claudio Parmiggiani, Andy Warhol y Roy Lichtsntein, entre otros, y a la utilización multimedia y lúdica del juego de sombras, desde la fotografía de Man Ray y André Kertész hasta las instalaciones actuales de Christian Boltanski, pasando por las experiencias cinematográficas de Murnau o Peter Greenaway.

FICHA DE LA EXPOSICIÓN
La Sombra
Fechas: Del 10 de Febrero al 17 de Mayo 2009
Organizadores y sedes: Museo Thyssen-Bornemisza y Fundación Caja Madrid
Comisario: Victor I. Stoichita, Catedrático de Historia del Arte en la Universidad de Friburgo
Número de obras: 140
Publicaciones: Catálogo con ensayos de Victor I. Stoichita, Santos Zunzunegui, José Ramón Esparza Estaun, Fernando Marías, Sergiusz Michalski, Hans-Georg von Arburg. Editado en español con apéndice en inglés.

" La locura no se encuentra unida al mundo y a sus fuerzas subterráneas, sino más bien al hombre, a sus debilidades, a sus sueños y a sus ilusiones. "

Michel Foucault

La razón de las Ofelias parte de la relación íntima y personal con la esquizofrenia, que le ha enseñado a Tino Fernández a ver las distintas caras de la enfermedad en la mujer que lo trajo al mundo: desde la distancia que crea con la realidad, de forma casi inevitable, el que la padece; los cambios abruptos de estado de ánimo que dejan al enfermo indefenso frente a su propia emotividad, que carece de equilibrio, control y mesura; la limitación constante en la expresión de los afectos; la pérdida progresiva de la capacidad de hilar los pensamientos en una secuencia lógica, presentándose entonces de manera desorganizada y fragmentada; la continua aparición de creencias que no responden a la evidencia de los hechos, ni a elaboraciones de la razón, ni son compartidas por las demás personas que rodean al enfermo; pero todo esto acompañado de una normalidad aparente, de una cotidianidad tranquila y rutinaria, en la que se piensa y se afirma que todo va bien, hasta la llegada de una nueva crisis.

+ info: http://www.mercatflors.org/

Con la presente exposición pretendemos hacer un recorrido gráfico de la historia de la copla por medio de los variados documentos que la Biblioteca Nacional de España conserva en sus colecciones.La secuencia que sigue la exposición está dividida en varias secciones encabezadas por títulos de conocidas coplas: El día que nací yo (El primer tercio del siglo XX); Suspiros de España (1935-1950); Yo soy esa (1950-1965); Y sin embargo te quiero (El exceso en la radio y el cine); Pasó tu tiempo (1965-1980); Te he de querer mientras vivas (De los años 80 a la actualidad); Bien se ve, Son las cosas de la vida (La importancia de la copla en el mundo del espectáculo y los medios de comunicación de masas). En todas ellas se recogen las múltiples manifestaciones de la copla: grabaciones sonoras (rollos de pianola, discos de pizarra y de vinilo, casetes y cartuchos, discos compactos), cancioneros, programas de cine, fotografías, videograbaciones.Durante el recorrido nos encontramos con los nombres más destacados de cada período: desde La Argentinita, compañera de Lorca en las incursiones musicales del poeta, Pastora Imperio y Raquel Meller, embajadoras en París y en el mundo, pasando por Miguel de Molina, uno de los primeros intérpretes masculinos de la copla, Estrellita Castro, Concha Piquer, Tony Leblanc, en su faceta de creador de coplas, Nati Mistral y Lola Flores, que junto a Manolo Caracol revolucionó el espectáculo. Otra destacada pareja, Carmen Morell y Pepe Blanco, iniciaron una nueva vía en el mundo de la copla.No faltan los populares Antonio Molina, Manolo Escobar, Rocío Jurado e Isabel Pantoja. En estos últimos años otras voces enriquecen el mundo de la copla: Pasión Vega, Diana Navarro, Carlos Cano, Concha Buika y el conocido tenor Plácido Domingo, que incluye en su repertorio coplas inmortales. Se alude a la estética de la copla y a su puesta en escena en las tablas de un escenario y en la pantalla cinematográfica con un traje negro y una mantilla de blonda similares a los que inundaron la iconografía de la copla en carteles, cubiertas de discos y programas de espectáculo, como podemos contemplar en el audiovisual que acompaña y enriquece la exposición.La publicidad de las contracubiertas y de las últimas páginas de los documentos impresos nos permite relacionar la copla con la literatura popular, con las novelas, con las biografías y, además, la noticia que dan los pequeños programas de cine nos sitúa a la puerta de los locales que en los años cuarenta y cincuenta nos llamaban para que entráramos en la magia de las salas oscuras.Como la copla ha vivido, sobrevivido y revivido, hemos aceptado los documentos contemporáneos de la creación de las obras (partituras, discos, cancioneros), pero también hemos recogido las nuevas ediciones, las nuevas versiones, los nuevos sistemas de difusión.Canción española, copla andaluza, canción folclórica y copla son los diversos términos que identifican un género musical propio de España que forma parte del patrimonio cultural español. Por su hondo calado dentro de la cultura popular, aceptar la copla como parte de nuestro patrimonio es un hecho que no puede dejarnos indiferentes. La copla levanta pasiones a favor y en contra. Se ha usado y abusado de ella. En la actualidad una corriente de recuperación de la copla nos obliga a hacer una relectura de su historia, aceptándola más allá de tantos prejuicios ya superados, lo que permite encarar el hecho cultural de la copla libres de complejos, ofrecer una visión diferente y apreciar su valor a través del análisis objetivo de sus documentos sonoros, impresos y audiovisuales, para colocarla en el lugar que merece en nuestra historia y cultura. Esta es la contribución de la Biblioteca Nacional de España.

Sala Hipóstila de la Biblioteca Nacional
3 de febrero al 12 de abril de 2009
martes a sábado de 10 a 21 h.
Domingos: de 10 a 14 h. (Último pase 30 minutos antes del cierre)

+info: http://www.bne.es/esp/actividades/copla.htm

Murió en Madrid en 1992. ahora, uno de los pintores más valorados regresa a españa de la mano de una gran exposición en su santuario, el museo que adoraba, el prado.

La primavera en Madrid se alargaba aquel junio de 1956. Los plátanos centenarios del paseo del Prado cubrían de sombra las zonas donde el sol empezaba ya a calentar en exceso. Dos hombres de mediana edad, vestidos con pantalón y americana oscura, se fotografiaban el uno al otro en la balaustrada del Museo del Prado, con el hotel Ritz al fondo. Su aspecto delataba de inmediato su condición de extranjeros. Francis Bacon y su amigo Peter Lacy se encontraban de paso en España camino de Tánger -la ciudad marroquí, imán para homosexuales, escritores y artistas, que Truman Capote, William Burroughs, Allen Ginsberg, Paul Bowles y la generación beat hicieron suya-, donde Lacy debía cumplir una oscura deuda con el propietario del bar Dean's y tocar allí el piano por las noches. Era la primera vez que el pintor (Dublín, 1909-Madrid, 1992), entraba en el lugar donde se exhibían las obras maestras de su adorado Velázquez, que conocía de sobra a fuerza de observar La Venus del espejo en la National Gallery de Londres: "Si no se entiende esa obra, no se entiende mi pintura".

Manuela Mena, jefa de conservación del siglo XVIII y Goya del Museo del Prado y comisaria en Madrid de la gran exposición retrospectiva sobre Bacon, organizada por la Tate Britain de Londres y el Metropolitan de Nueva York, desconoce cómo fue aquella primera visita del artista, pero sí recuerda el aspecto entonces del museo, un lugar apacible, silencioso, sin turistas, solitario y oscuro, con suelos de madera que crujían con las pisadas. "Había siempre poca gente, y aunque ahora nos parezca mentira, no tenía luz artificial, los cuadros debían contemplarse con la que entraba desde el exterior. ¿Cuántos días estuvieron aquí, cuánto tiempo pasó Bacon en el Prado? No podemos saberlo. A él le gustaba Velázquez y en esa primera visita debió de verlo todo".

Un siglo antes, en 1865, Édouard Manet experimentó el mismo impulso que el pintor inglés atormentado y transgresor "que pinta monos locos", como decía Allen Ginsberg, y acudió al Prado para ver la obra de los grandes maestros españoles. Ambos peregrinaron para observar de cerca las pinceladas, la composición, la forma de hacer tan moderna, tan colorista, de Velázquez, Goya, Zurbarán, El Greco o Ribera.

De haber vivido, Francis Bacon hubiera cumplido este próximo otoño 100 años. El segundo de los cinco hijos de Cristina y Edward, ingleses protestantes, nació un 28 de octubre en Dublín. Su padre, un ex militar, entrenador de caballos de carreras que afirmaba ser descendiente del filósofo Francis Bacon, inculcaba disciplina, orden y mando en la familia. De aquellos años, el pintor recordaría después la soterrada violencia en el ambiente, el inicio de la I Guerra Mundial y el paso de las tropas del regimiento de caballería cercano a su casa. También las frecuentes crisis de asma que sufría: "Me acuerdo", le confesó al crítico de arte David Sylvester en 1979, "de que me inyectaban morfina y la relajación que me producía era fabulosa. No querían darme mucha porque temían que me volviera adicto".